Valokuva: Luvalla Naturhistorisches Museum

Taidehistorian veistos, tämä pieni, hieman yli neljä tuumaa korkea hahmo, löydettiin Itävallasta vuonna 1908. Kukaan ei tiedä, mitä tehtävää se palveli, mutta arvailut ovat vaihdelleet hedelmällisyyden jumalattaresta itsetyydytysapuun. Jotkut tutkijat ehdottavat, että se saattoi olla naisen tekemä omakuva. Se on tunnetuin monista sellaisista esineistä, jotka ovat peräisin vanhalta kivikaudelta.

Valokuva: luvalla CC/Wiki Media/Philip Pikart

Tämä muotokuva on ollut naisellisen kauneuden symboli siitä lähtien, kun se löydettiin ensimmäisen kerran vuonna 1912 muinaisen Egyptin historian kiistanalaisimman faaraon, Akhenatonin, rakentaman pääkaupungin Amarnan raunioista. Hänen kuningattarensa Nefertitin elämä on mysteeri: Hänen uskotaan hallinneen faaraona jonkin aikaa Akhenatenin kuoleman jälkeen – tai todennäköisemmin poikakuningas Tutankhamonin rinnakkaishallittajana. Jotkut egyptologit uskovat, että hän oli todella Tutin äiti. Tämän stukkopinnoitetun kalkkikivirintakuvan uskotaan olevan Ehnatonin hoviveistäjä Thutmosen käsityö.

Valokuva: luvalla CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Vuonna 1974 löydetty terrakottaarmeija on valtava savipatsaiden kätkö, joka on haudattu kolmeen massiiviseen kuoppaan lähellä Shi Huangin, Kiinan ensimmäisen keisarin, hautaa, joka kuoli vuonna 210 eaa. Joidenkin arvioiden mukaan armeijan, jonka tarkoituksena on suojella häntä kuolemanjälkeisessä elämässä, uskotaan olevan yli 8 000 sotilasta sekä 670 hevosta ja 130 vaunua. Jokainen on luonnollisen kokoinen, vaikka todellinen korkeus vaihtelee sotilasarvon mukaan.

Valokuva: luvalla CC/Wiki Media/LivioAndronico

Ehkä tunnetuin roomalaisen antiikin veistos,Laocoön ja hänen poikansakaivettiin alun perin Roomassa vuonna 1506 ja siirrettiin Vatikaaniin, jossa se asuu tähän päivään asti. Se perustuu myytiin Troijan papista, jonka merijumala Poseidonin lähettämät merikäärmeet tappoivat yhdessä poikiensa kostoksi Laocoönin yrityksestä paljastaa Troijan hevosen juoni. Tämä alunperin keisari Tituksen palatsiin asennettu, luonnollisen kokoinen kuviollinen ryhmittymä, joka on johdettu Rodoksen saarelta kotoisin olevalle kreikkalaiselle kuvanveistäjäkolmikolle, on vertaansa vailla oleva tutkimus inhimillisestä kärsimyksestä.

Valokuva: luvalla CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Michelangelon David, joka on yksi koko taidehistorian ikonisimmista teoksista, sai alkunsa suuremmasta hankkeesta Firenzen suuren katedraalin, Duomon, tukipilareiden koristeluun Vanhasta testamentista otettujen hahmojen ryhmällä. TheDavidoli yksi, ja sen itse asiassa aloitti vuonna 1464 Agostino di Duccio. Seuraavien kahden vuoden aikana Agostino onnistui karsimaan osan Carraran kuuluisasta louhoksesta hakatusta valtavasta marmorilohkosta ennen kuin pysähtyi vuonna 1466. (Kukaan ei tiedä miksi.) Toinen taiteilija otti löysän, mutta hänkin vain työskennellyt sen parissa lyhyesti. Marmori pysyi koskemattomana seuraavat 25 vuotta, kunnes Michelangelo jatkoi sen kaivertamista vuonna 1501. Hän oli tuolloin 26-vuotias. Valmistuttuaan David painoi kuusi tonnia, joten sitä ei voitu nostaa katedraalin katolle. Sen sijaan se asetettiin näytteille aivan Firenzen kaupungintalon Palazzo Vecchion sisäänkäynnin ulkopuolella. Figuuri, yksi korkean renessanssin tyylin puhtaimmista tisleistä, omaksui välittömästi firenzeläisen yleisön symbolina kaupunkivaltion omasta vastarinnasta sitä vastaan ​​asettuneita voimia vastaan. Vuonna 1873,Davidsiirrettiin Accademia Galleryyn ja kopio asennettiin alkuperäiseen paikkaansa.

Valokuva: luvalla CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Korkean roomalaisen barokin tyylin alkuunpanijaksi tunnustettu Gian Lorenzo Bernini loi tämän mestariteoksen Santa Maria della Vittorian kirkon kappeliin. Barokki liittyi erottamattomasti vastareformaatioon, jonka kautta katolinen kirkko yritti pysäyttää protestantismin tulvan 1600-luvun Euroopassa. Berninin kaltaiset taideteokset olivat osa ohjelmaa, jolla vahvistettiin paavin dogmia, ja Berninin nerous täytti uskonnolliset kohtaukset dramaattisilla kertomuksilla.Ekstaasion esimerkki: sen aihe – pyhä Teresa Ávilalainen, espanjalainen karmeliitin nunna ja mystikko, joka kirjoitti kohtaamisestaan ​​enkelin kanssa – on kuvattu juuri silloin, kun enkeli on syöttämässä nuolen hänen sydämeensä.EkstaasiEroottiset sävyt ovat erehtymättömät, ilmeisimmin nunnan orgasmisessa ilmeessä ja molempia hahmoja ympäröivässä vääntelevässä kankaassa. Arkkitehti taiteilijana Bernini suunnitteli myös kappelin puitteet marmorista, stukkosta ja maalista.

Valokuva: Metropolitan Museum of Art/Fletcher Fundin luvalla

Italialaista taiteilijaa Antonio Canovaa (1757–1822) pidetään 1700-luvun suurimpana kuvanveistäjänä. Hänen työnsä kuvaili uusklassista tyyliä, kuten voit nähdä hänen marmoriversiossaan kreikkalaisesta myyttisestä sankarista Perseuksesta. Canova teki itse asiassa kaksi versiota teoksesta: toinen asuu Vatikaanissa Roomassa, kun taas toinen seisoo Metropolitan Museum of Artin eurooppalaisessa veistoshovissa.

Valokuva: Metropolitan Museum of Art

Vaikka Impressionistinen mestari Edgar Degas tunnetaan parhaiten taidemaalarina, hän työskenteli myös kuvanveiston parissa tuottaen sen, mikä oli luultavasti radikaaleinta hänen tuotantoaan. Degasin muotoinenPieni neljätoistavuotias tanssijavahasta (josta valettiin myöhemmät pronssikopiot hänen kuolemansa jälkeen vuonna 1917), mutta se, että Degas puki samannimisen kohteensa todelliseen balettiasuun (jossa on liivi, tutu ja tossut) ja aidot hiukset peruukki, aiheutti sensaation, kunTanssijadebytoi kuudennessa impressionistisessa näyttelyssä 1881 Pariisissa. Degas päätti peittää suurimman osan koristeistaan ​​vahalla, jotta ne vastaisivat tytön muita piirteitä, mutta hän piti tutun ja hiuksen takana olevan nauhan sellaisenaan, mikä teki hahmosta yhden ensimmäisiä esimerkkejä löydetyistä esineistä. taide.Tanssijaoli ainoa veistos, jonka Degas esitti elämänsä aikana; hänen kuolemansa jälkeen hänen studiossaan löydettiin vielä 156 muuta esimerkkiä.

Valokuva: Philadelphia Museum of Art

Useimmat ihmiset yhdistävät suuren ranskalaisen kuvanveistäjä Auguste RodininAjattelija, tämä kokonaisuus, joka muistelee Ison-Britannian ja Ranskan satavuotisen sodan (1337–1453) aikaista tapausta, on tärkeämpi kuvanveiston historiassa. Tilattu puistoon Calais'n kaupunkiin (jossa vuoden 1346 englantilaisten piiritys purettiin, kun kuusi kaupungin vanhinta tarjoutui teloitettavaksi vastineeksi väestön säästämisestä).Hampurilaisetvälttyi tuolloin monumenteille tyypillisestä muodosta: Sen sijaan, että hahmot olisi eristetty tai kasattu pyramidiin korkean jalustan huipulle, Rodin kokosi luonnollisen kokoiset kohteensa suoraan maahan, katsojan tasolle. Tämä radikaali siirtyminen realismiin rikkoi sankarillisen kohtelun, jota tällaisille ulkotöille yleensä annettiin. KanssaHampurilaisetRodin otti yhden ensimmäisistä askeleista kohti modernia kuvanveistoa.

Valokuva: luvalla CC/Flickr/Wally Gobetz

Vuonna 1912 Picasso loi pahvimaketin teoksesta, jolla olisi suuri vaikutus 1900-luvun taiteeseen. Myös MoMA:n kokoelmassa se kuvasi kitaraa, aihetta, jota Picasso usein tutki maalauksessa ja kollaasissa, ja monessa suhteessaKitarasiirsi kollaasin leikkaa ja liitä -tekniikat kahdesta ulottuvuudesta kolmeen. Se teki saman myös kubismissa kokoamalla litteitä muotoja luodakseen monitahoisen muodon, jolla on sekä syvyys että tilavuus. Picasson innovaatio oli välttää tavanomaista veistoksen veistämistä ja mallintamista kiinteästä massasta. Sen sijaanKitarakiinnitettiin yhteen kuin rakenne. Tämä ajatus kaikuisi venäläisestä konstruktivismista aina minimalismiin ja sen jälkeen. Kaksi vuotta tekemisen jälkeenKitarapahvista Picasso loi tämän version leikatusta tinasta

Valokuva: Metropolitan Museum of Art

Italialainen futurismi järkytti maailmaa radikaaleista aloituksistaan ​​lopulliseen fasistiseen inkarnaatioonsa, mutta yksikään teos ei havainnollistanut liikkeen silkkaa deliriumia kuin tämä veistos, jonka yksi sen johtavista valoista: Umberto Boccioni. Taiteilijana aloittanut Boccioni siirtyi kolmiulotteiseen työskentelyyn vuoden 1913 Pariisin-matkan jälkeen, jossa hän kiersi useiden aikakauden avantgarde-veistajien, kuten Constantin Brancusin, Raymond Duchamp-Villonin ja Alexander Archipenkon, studioissa. Boccioni syntetisoi heidän ideansa tähän dynaamiseen mestariteokseen, joka kuvaa vauhdikasta hahmoa asetettuna liikkeen "synteettiseen jatkuvuuteen", kuten Boccioni kuvaili. Teos luotiin alun perin kipsiin, ja se valettiin tutussa pronssissa vasta vuonna 1931, paljon sen jälkeen, kun taiteilija kuoli vuonna 1916 italialaisen tykistörykmentin jäsenenä ensimmäisen maailmansodan aikana.

Valokuva: luvalla CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Romaniassa syntynyt Brancusi oli yksi tärkeimmistä 1900-luvun alun modernismin kuvanveistäjistä – ja todellakin yksi tärkeimmistä hahmoista koko kuvanveistohistoriassa. Eräänlainen protominimalistinen Brancusi otti muotoja luonnosta ja virtaviivaisti ne abstrakteiksi esityksiksi. Hänen tyylinsä sai vaikutteita kotimaan kansantaiteesta, jossa esiintyi usein eloisia geometrisia kuvioita ja tyyliteltyjä aiheita. Hän ei myöskään tehnyt eroa esineen ja pohjan välillä, vaan käsitteli niitä tietyissä tapauksissa vaihdettavina komponentteina – lähestymistapa, joka edusti ratkaisevaa katkaisua kuvanveiston perinteisiin. Tämä ikoninen teos on muotokuva hänen mallistaan ​​ja rakastajastaan ​​Margit Pogányista, unkarilaisesta taideopiskelijasta, jonka hän tapasi Pariisissa vuonna 1910. Ensimmäinen iteraatio veistettiin marmoriin, jota seurasi kipsikopio, josta tämä pronssi tehtiin. Itse kipsi oli esillä New Yorkissa legendaarisessa Armory Show'ssa vuonna 1913, jossa kriitikot pilkkasivat ja pilkkaavat sitä. Mutta se oli myös näytelmän eniten toistettu kappale. Brancusi työskenteli eri versioiden parissaHerra Poganynoin 20 vuoden ajan.

Valokuva: Modernin taiteen museon luvalla

Polkupyörän pyöräpidetään ensimmäisenä Duchampin vallankumouksellisista valmiista tuotteista. Kuitenkin, kun hän valmistui teoksen Pariisin studiossaan, hänellä ei todellakaan ollut aavistustakaan, miksi sitä kutsuisi. "Minulla oli iloinen idea kiinnittää polkupyörän pyörä keittiöjakkaraan ja katsella sen kääntymistä", Duchamp sanoi myöhemmin. Kesti vuoden 1915 matkan New Yorkiin ja altistumisen kaupungin valtavalle tehdasvalmisteisten tuotteiden tuotannolle, ennen kuin Duchamp keksi valmiin termin. Vielä tärkeämpää oli, että hän alkoi nähdä, että taiteen tekeminen perinteisellä, käsintehtyllä tavalla tuntui turhalta teollisella aikakaudella. Miksi vaivautua, hän pohti, kun laajalti saatavilla olevat teollisuustuotteet voisivat tehdä työn. Duchampille teoksen taustalla oleva idea oli tärkeämpi kuin se, miten se tehtiin. Tämä käsitys – ehkä ensimmäinen todellinen esimerkki käsitteellisesta taiteesta – muuttaisi täysin taidehistorian eteenpäin. Kuten tavallinen kodin esine, kuitenkin alkuperäinenPolkupyörän pyöräei selvinnyt: Tämä versio on itse asiassa kopio vuodelta 1951.

Valokuva: Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York

Whitney Museumin pysyvän kokoelman rakas teline,Calderin sirkustislaa leikkisää olemusta, jonka Alexander Calder (1898–1976) toi esiin taiteilijana, joka auttoi muotoilemaan 20. veistosta.Sirkus, joka syntyi taiteilijan Pariisin aikana, oli vähemmän abstrakti kuin hänen riippuvat "matkapuhelimet", mutta omalla tavallaan se oli yhtä kineettinen: Valmistettu pääasiassa langasta ja puusta,Sirkustoimi keskipisteenä improvisaatioesityksissä, joissa Calder liikkui erilaisten hahmojen ympärillä, jotka kuvasivat kieroutujia, miekan nielejiä, leijonan kesyttäjiä jne. jumalankaltaisen rengasmestarin tavoin.

Valokuva: J. Paul Getty Museumin luvalla

Taiteilijana ja kuvakudossuunnittelijana sekä kuvanveistäjänä ranskalaista taiteilijaa Aristide Maillolia (1861–1944) voitaisiin parhaiten kuvata moderniksi uusklassisiksi, joka linjasi 1900-luvun perinteisiä kreikkalais-roomalaisia ​​patsaita. Häntä voitaisiin myös kuvata radikaaliksi konservatiiviksi, vaikka on muistettava, että jopa Picasson kaltaiset avantgarde-aikalaiset tuottivat teoksia uusklassismin tyylin mukaisiksi sovituksiksi ensimmäisen maailmansodan jälkeen. Maillolin aiheena oli naisalaston, jaL'Air, hän on luonut kontrastin kohteensa aineellisen massan ja sen tavan välille, miten hän näyttää kelluvan avaruudessa – tasapainottaen ikään kuin jämäkkää fyysisyyttä katoavaan läsnäoloon.

Valokuva: luvalla CC/Flickr/C-Monster

Japanilainen taiteilija, joka työskentelee useissa medioissa, Kusama tuli New Yorkiin vuonna 1957 ja palasi Japaniin vuonna 1972. Sillä välin hän vakiinnutti itsensä keskustan näyttämönä, jonka taide kosketti monia perusteita, mukaan lukien pop-taide ja minimalismi. ja esitystaide. Naistaiteilijana, joka viittasi usein naisen seksuaalisuuteen, hän oli myös feministisen taiteen edeltäjä. Kusaman teokselle on usein ominaista hallusinogeeniset kuviot ja muotojen toistot, joihin hän on kärsinyt lapsuudesta asti. Kaikki nämä Kusuman taiteen ja elämän osa-alueet heijastuvat tässä teoksessa, jossa tavallinen, verhoiltu lepotuoli peittyy ahdistavasti ommeltuun pehmustettuun kankaaseen tehtyjen fallisten ulkonemien puhkeamiseen.

Valokuva: Whitney Museum of American Art, New York, © 2019 Estate of Marisol / Albright-Knox Art Gallery / Artists Rights Society (ARS), New York

Pelkästään etunimellään tunnettu Marisol Escobar (1930–2016) syntyi Pariisissa venezuelalaisille vanhemmille. Taiteilijana hän liittyi pop-taiteeseen ja myöhemmin op-taiteeseen, vaikka tyylillisesti hän ei kuulunut kumpaankaan ryhmään. Sen sijaan hän loi kuvaannollisia tauluja, jotka oli tarkoitettu feministiksi satiireiksi sukupuolirooleista, julkkiksista ja varallisuudesta. sisäänNaiset ja Koirahän ottaa vastaan ​​naisten objektivisoinnin ja tavan, jolla miesten asettamia feminiinisyysstandardeja käytetään pakottamaan heidät mukautumaan.

Valokuva: luvalla CC/Flickr/Rocor

Brillo Box on ehkä tunnetuin Warholin 60-luvun puolivälissä luomista veistosteossarjasta, joka vei hänen popkulttuuritutkimuksensa tehokkaasti kolmeen ulottuvuuteen. Warholin nimen mukaisesti ateljeelleen – Tehdas – taiteilija palkkasi puuseppiä työskentelemään eräänlaisella kokoonpanolinjalla ja naulaa yhteen laatikoiden muotoisia puulaatikoita eri tuotteille, kuten Heinz Ketchupille, Kelloggin maissihiutaleille ja Campbell's Soupille. hyvin Brillo-saippuatyynyt. Sitten hän maalasi jokaisen laatikon alkuperäistä vastaavalla värillä (Brillon tapauksessa valkoinen) ennen kuin lisäsi tuotteen nimen ja logon silkkipainolla. Moninkertaisesti luotuja laatikoita esitettiin usein suurissa pinoissa, mikä muutti minkä tahansa gallerian tehokkaasti varaston korkeakulttuurisiksi faksimileiksi. Heidän muotonsa ja sarjatuotantonsa oli kenties nyökkäys tai parodia tuolloin syntyneelle minimalistiselle tyylille. Mutta todellinen pointtiBrillo Boxon se, kuinka sen läheinen lähentyminen todelliseen kumoaa taiteellisia konventioita antamalla ymmärtää, että valmistettujen tuotteiden ja taiteilijan ateljeen työn välillä ei ole todellista eroa.

Valokuva: luvalla CC/Flickr/Esther Westerveld

Donald Juddin nimi on synonyymi Minimal Art:lle, 60-luvun puolivälin liikkeelle, joka tislaa modernismin rationalistisen kannan olennaiseen. Juddille kuvanveisto merkitsi teoksen konkreettisen läsnäolon artikulointia avaruudessa. Tätä ideaa kuvattiin termillä "erityinen esine", ja vaikka muut minimalistit omaksuivat sen, Judd ilmeisesti antoi idealle puhtaimman ilmaisun ottamalla laatikon allekirjoituslomakkeekseen. Warholin tavoin hän valmisti niitä toistuvina yksiköinä teollisesta valmistuksesta lainatuilla materiaaleilla ja menetelmillä. Toisin kuin Warholin keittotölkit ja Marilynsit, Juddin taide ei viitannut mihinkään itsensä ulkopuolelle. Hänen "pinot" ovat hänen tunnetuimpia kappaleitaan. Jokainen koostuu ryhmästä identtisiä matalia laatikoita, jotka on valmistettu galvanoidusta metallilevystä ja jotka ulkonevat seinästä muodostaen pylvään tasaisin välein olevista elementeistä. Mutta maalarina aloittanut Judd oli yhtä kiinnostunut väreistä ja tekstuurista kuin muodoista, kuten tässä näkyy jokaisen laatikon etupuolelle levitetystä vihreäksi sävytetystä auto-body-lakasta. Juddin värin ja materiaalin vuorovaikutus antaaNimetön (pino)vaativa eleganssi, joka pehmentää sen abstraktia absolutismia.

Valokuva: luvalla CC/Flickr/Rocor

Benglisin tavoin Hesse oli naistaiteilija, joka suodatti postminimalismin väitetysti feministisen prisman läpi. Juutalainen, joka pakeni natsi-Saksasta lapsena, hän tutki orgaanisia muotoja ja loi teollisesta lasikuidusta, lateksista ja köydestä paloja, jotka herättivät ihoa tai lihaa, sukuelimiä ja muita kehon osia. Hänen taustansa huomioon ottaen on houkuttelevaa löytää tämän kaltaisista teoksista trauman tai ahdistuksen pohjavirta.

Valokuva: Modernin taiteen museon luvalla

Juddin ja Flavinin jälkeen joukko taiteilijoita poikkesi minimalismin puhtaiden linjojen estetiikasta. Osana tätä postminimalistista sukupolvea Richard Serra asetti tietyn esineen käsitteen steroideihin, suurentaen sen mittakaavaa ja painoa huomattavasti ja teki painovoiman laeista olennaisen ajatuksen. Hän loi epävarmoja tasapainotustoimia teräs- tai lyijylevyistä ja tonneittain painavista putkista, mikä vaikutti työhön uhkaavan tuntua. (Kahteen kertaan Serran kappaleita asentaneet riggerit tapettiin tai vammautuivat, kun teos vahingossa romahti.) Viime vuosikymmeninä Serran työ on omaksunut kaarevan jalostuksen, joka on tehnyt siitä erittäin suositun, mutta alkuvaiheessa se toimii kuten One Ton Prop (House) of Cards), jossa on neljä yhteen nojattua lyijylevyä, ilmaisi huolensa raa'asti suoraan.

Valokuva: luvalla CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Yleisen vastakulttuurisen suuntauksen jälkeen 1960- ja 1970-luvuilla taiteilijat alkoivat kapinoida galleriamaailman kaupallisuutta vastaan ​​ja kehittivät radikaalisti uusia taidemuotoja, kuten maanrakennustyöt. Myös landartina tunnetun genren johtohahmo oli Robert Smithson (1938–1973), joka yhdessä Michael Heizerin, Walter De Marian ja James Turrelin kaltaisten taiteilijoiden kanssa uskaltautui Länsi-Yhdysvaltojen autiomaahan luomaan monumentaalisia teoksia, jotka toimivat sopusoinnussa ympäristönsä kanssa. Tämä paikkakohtainen lähestymistapa, kuten sitä kutsuttiin, käytti usein suoraan maisemasta otettuja materiaaleja. Näin on Smithsonin tapauksessaSpiraalilaituri, joka ulottuu Utahin Great Salt Lakeen Rozel Pointista järven koillisrannalta. Valmistettu mudasta, suolakiteistä ja paikan päällä uutetusta basaltista,Spiraalilaituri mittaa1500 x 15 jalkaa. Se oli upotettuna järven alle vuosikymmeniä, kunnes 2000-luvun alun kuivuus toi sen jälleen pintaan. Vuonna 2017Spiraalilaiturinimettiin Utahin viralliseksi taideteokseksi.

Valokuva: luvalla CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Ranskalaissyntyisen taiteilijan tunnusteos,Hämähäkkisyntyi 1990-luvun puolivälissä, kun Bourgeois (1911-2010) oli jo kahdeksankymppinen. Siitä on olemassa lukuisia eri mittakaavaisia ​​versioita, mukaan lukien jotkut, jotka ovat monumentaalisia.Hämähäkkion tarkoitettu kunnianosoituksena taiteilijan äidille, kuvakudosten entisöijälle (siis viittaus hämähäkkieläinten taipumukseen pyörittää verkkoja).

Shutterstock

Vuonna 1994 arvostetun Turner-palkinnon voittaja Antony Gormley on yksi Ison-Britannian tunnetuimmista nykyveistäjistä, mutta hänet tunnetaan myös ympäri maailmaa ainutlaatuisesta hahmotuksestaan, joka perustuu laajaan mittakaavaan ja tyyliin. suurimmaksi osaksi samalla mallilla: Valos taiteilijan omasta kehosta. Tämä pätee tähän valtavaan siivekkääseen monumenttiin, joka sijaitsee lähellä Gatesheadin kaupunkia Koillis-Englannissa. Sijaitsee suuren valtatien varrella,Enkelikohoaa 66 jalkaan korkeuteen ja ulottuu 177 jalkaa leveäksi siivenkärjestä siiven kärkeen. Gormleyn mukaan teos on tarkoitettu eräänlaiseksi symboliseksi merkiksi Britannian teollisen menneisyyden (veistos sijaitsee Englannin hiilimaassa, teollisen vallankumouksen sydämessä) ja sen jälkiteollisen tulevaisuuden välillä.

Luvassa CC/Flickr/Richard Howe

Chicagolaiset kutsuivat sitä hellästi "pavuksi" sen taivutetun ellipsoidisen muodon vuoksi,Pilven portti, Anish Kapoorin julkinen taiteen keskipiste Second City's Millennium Parkissa, on sekä taidetta että arkkitehtuuria, joka tarjoaa Instagram-valmiin holvikäytävän sunnuntaisin rattaille ja muille puiston vierailijoille. Valmistettu peilatusta teräksestä,Pilven porttiFun-house -heijastavuus ja laajamittaisuus tekevät siitä Kapoorin tunnetuimman teoksen.

Taiteilijan ja Greene Naftalin, New Yorkin luvalla

Rachel Harrisonin teoksissa yhdistyy täydellinen formalismi ja taito upottaa näennäisesti abstrakteja elementtejä, joilla on useita merkityksiä, myös poliittisia. Hän kyseenalaistaa kiivaasti monumentaalisuuden ja siihen liittyvän maskuliinisen etuoikeuden. Harrison luo suurimman osan veistoistaan ​​pinoamalla ja järjestämällä styroksilohkoja tai -laattoja ennen kuin peittää ne sementin ja maalauksellisen kukoistuksen yhdistelmällä. Kirsikka päällä on jonkinlainen löydetty esine, joko yksin tai yhdessä muiden kanssa. Hyvä esimerkki on tämä mallinukke pitkänomaisen, maaliroiskeen muodon huipulla. Viitta ja taaksepäin käännetty Abraham Lincolnin naamio pukeutunut teos lähettää historian suurmiehen teorian esille muinaisen maailman valloittajan, joka seisoo korkeana klovninvärisellä kalliolla..